2026
El corazón es agua
Solo show
Richeldis Fine Art
Richeldis Fine Art
May 7 – July 30, 2026
Barcelona
Barcelona
(...) At the core of Rogado’s practice is a process guided as much by material behaviour as by the artist’s hand. Working directly with the physical properties of paint, Rogado allows pigment to disperse, settle, and accumulate across raw canvas, creating compositions that emerge through a careful choreography of chance, rhythm, and restraint. The resulting forms hover between presence and dissolution - suggestive of atmosphere, landscape, shadow, or bodily trace, yet never fully fixed. His paintings unfold as perceptual fields, inviting a slow and shifting encounter in which image and abstraction continuously destabilise one another. Throughout the work there is a sense of continual movement - a fluid, almost tidal rhythm in which forms appear to drift, dissolve, and reform. This quality of flow reflects the artist’s process itself, where pigment, gravity, absorption, and time remain active participants in the formation of the image.
This new body of work marks a further distillation within the artist’s practice. More monochromatic and pared back in palette, the paintings reduce gesture and colour to their essential elements, pushing the abstraction towards an intensified sense of stillness and spatial ambiguity. Deep blacks, muted indigo tones, and saturated crimson emerge against luminous grounds, allowing the subtle movement of pigment and the tension between control and chance to become increasingly pronounced.
This new body of work marks a further distillation within the artist’s practice. More monochromatic and pared back in palette, the paintings reduce gesture and colour to their essential elements, pushing the abstraction towards an intensified sense of stillness and spatial ambiguity. Deep blacks, muted indigo tones, and saturated crimson emerge against luminous grounds, allowing the subtle movement of pigment and the tension between control and chance to become increasingly pronounced.
The works possess a meditative clarity in which scale, silence, and material presence operate with quiet intensity. The exhibition also includes a monumental suspended painting positioned directly before the gallery window. Positioned in dialogue with the light behind it, the work reveals the translucency and internal structure of the painting itself. Hovering between image and object, surface and space, the work transforms the surrounding architecture into part of the composition. Here, Rogado extends painting beyond the wall and into an immersive spatial encounter in which light, atmosphere, and material presence become inseparable.
The exhibition includes four sculptural works from Rogado’s ongoing Observing Self and Time Capsule series. Composed of mirrored spheres and hourglass forms, the sculptures extend the artist’s investigation of perception, reflection, and consciousness into three dimensions. Their mirrored surfaces absorb the surrounding space while simultaneously implicating the viewer within the work itself, creating a tension between immersion and self-awareness. Echoing the conceptual sensibility of John Cage’s 4’33”, these works foreground attention and presence, heightening an awareness of space, duration, and the act of observation itself. Across Rogado’s practice, painting, sculpture, rhythm, and reflection operate as part of an evolving visual language - one that unfolds less as a fixed image than as a continuous state of movement, perception, and poetic resonance.
Photography by Francisco Nogueira
The exhibition includes four sculptural works from Rogado’s ongoing Observing Self and Time Capsule series. Composed of mirrored spheres and hourglass forms, the sculptures extend the artist’s investigation of perception, reflection, and consciousness into three dimensions. Their mirrored surfaces absorb the surrounding space while simultaneously implicating the viewer within the work itself, creating a tension between immersion and self-awareness. Echoing the conceptual sensibility of John Cage’s 4’33”, these works foreground attention and presence, heightening an awareness of space, duration, and the act of observation itself. Across Rogado’s practice, painting, sculpture, rhythm, and reflection operate as part of an evolving visual language - one that unfolds less as a fixed image than as a continuous state of movement, perception, and poetic resonance.
Photography by Francisco Nogueira
2024
AUSSER SICHT
Solo show
Thun Panorama
Thun Panorama
May 11 – Dec 1, 2024
Thun
Thun
On their way to the building, visitors are already confronted with Rogado’s work as soon as they glimpse from the outside the backs of the large canvases blending harmoniously with the windows. The translucency of the picture supports hints at the nature of the painting to come. In addition, circular openings in the canvases afford a direct view into the exhibition space. In addition, round pictures hanging on the back of the canvases can be seenfrom the outside but only guessed at from inside. As windows into another dimension, they enhance the impression of depth and the complexity of the installation.
Upon arrival inside the exhibition space, the possibilities for interpreting the work multiply. The colours that the artist has applied to the canvases create shimmering organic forms that open up a view inwards and – thanks to the light coming in from outside and the semi-transparent picture supports – also outwards. The daylight makes the silhouettes of the stretcher frames and the small round paintings attached to the back show through the canvases. These elements blend with the shadows cast by the trees and plants to become part of the work and its composition. Ausser Sicht is therefore constantly in motion, transforming with changes in nature and the seasons.
Upon arrival inside the exhibition space, the possibilities for interpreting the work multiply. The colours that the artist has applied to the canvases create shimmering organic forms that open up a view inwards and – thanks to the light coming in from outside and the semi-transparent picture supports – also outwards. The daylight makes the silhouettes of the stretcher frames and the small round paintings attached to the back show through the canvases. These elements blend with the shadows cast by the trees and plants to become part of the work and its composition. Ausser Sicht is therefore constantly in motion, transforming with changes in nature and the seasons.
The four circular openings, which are positioned in the installation in the direction of the four points of the compass, act like windows that open up the picture even further to offer a complete view of the outside world and project it outwards. Rather than blocking the view, the canvases thus open up a horizon of infinite possibilities. The artist has furthermore placed on them painted ceramic spheres with reflective enamel surfaces, creating a kaleidoscope of reflected images. Viewers can also see themselves reflected in these orbs and become in this way part of the installation. This panora- ma of visions and illusions not only explores the nature of art but also probes the limits of human perception.
In sum, Ausser Sicht generates a continuous and complex connection between interior and exterior space that can be experienced from both perspectives. The windows of the gallery become fragmented openings providing surprising views inside and out that challenge our perceptual habits. The title Ausser Sicht refers to the fact that some- thing always remains hidden from view and eludes our gaze, no matter how we look at things.
Chiara Ottavi
In sum, Ausser Sicht generates a continuous and complex connection between interior and exterior space that can be experienced from both perspectives. The windows of the gallery become fragmented openings providing surprising views inside and out that challenge our perceptual habits. The title Ausser Sicht refers to the fact that some- thing always remains hidden from view and eludes our gaze, no matter how we look at things.
Chiara Ottavi
2023
Concerto Finale, Regionale
Group show
Kunsthaus Baselland
Kunsthaus Baselland
Nov 26 – Jan 8, 2024
Basel
Basel
Die Bildsprache von Giacomo Santiago Rogado ist frei von raumzeitlichen Koordinaten und erkennbaren Objekten. Seine Werke, meist installativ realisierte Gemälde, zeigen evokative Formen, die als Partikel, Flüssigkeiten, elementare Lebensformen oder Planeten, Sterne oder Galaxien erscheinen. Es entsteht ein Gefühl von Widersprüchlichkeit und Transparenz, von Durchdringung und Überschneidung, von Konsonanz und Resonanz.
«Das Überflüssige weglassen, um das Wesentliche zu finden» – das ist das poetische Credo, das Rogado uns vor Augen führt. Analog dazu tut Rogado beim Malen nichts anderes als «einfach nur malen». Es gibt keine Vorüberlegungen, kein Projekt und kein vorgefertigtes Wissen, die Praxis wird mit Ausgeglichenheit und Ausdauer als eine paradoxerweise blinde Übung des Malens ausgeführt. In seinem Werk Room for Intuitionüberträgt er den Akt des Malens in Teilen auf dieMaterialien seiner Arbeiten. Es handelt sich um eigenständige Arbeiten, in denen sich seine selbst entwickelten Techniken vermischen und neuartige
«Das Überflüssige weglassen, um das Wesentliche zu finden» – das ist das poetische Credo, das Rogado uns vor Augen führt. Analog dazu tut Rogado beim Malen nichts anderes als «einfach nur malen». Es gibt keine Vorüberlegungen, kein Projekt und kein vorgefertigtes Wissen, die Praxis wird mit Ausgeglichenheit und Ausdauer als eine paradoxerweise blinde Übung des Malens ausgeführt. In seinem Werk Room for Intuitionüberträgt er den Akt des Malens in Teilen auf dieMaterialien seiner Arbeiten. Es handelt sich um eigenständige Arbeiten, in denen sich seine selbst entwickelten Techniken vermischen und neuartige
Malereikombinationen generieren. Die mit Farbbädern in einem Zusammenspiel von Zufall und Komposition geschaffenen Werke beeindrucken durch ihre unmittelbare Wirkung. Die Baumwolltücher saugen in einem langsamen Trocknungsprozess die Farben auf, die der Künstler in Behälter hineintröpfelt. Die Tropfen blühen auf den Stoffen zu prächtigen bunten Formen aus. Das Arbeiten ist ein Dialog zwischen Impulsgeben, Beobachten, Entstehen und Reagieren.
Giacomo Santiago Rogado geht bei seinen Arbeiten äusserst einfühlsam mit Licht und Raum um. Dieses Interesse spiegelt sich nicht nur in seinen Gemälden, sondern auch in deren reflektierten Platzierung. Affektiv, mediativ, kontemplativ – so lässt sich das Betrachten mit dem Werk von Giacomo Rogado beschreiben, und es ist zugleich ein Erfassen des eigenen Seins im Raum.
Meryl Kureekal
Giacomo Santiago Rogado geht bei seinen Arbeiten äusserst einfühlsam mit Licht und Raum um. Dieses Interesse spiegelt sich nicht nur in seinen Gemälden, sondern auch in deren reflektierten Platzierung. Affektiv, mediativ, kontemplativ – so lässt sich das Betrachten mit dem Werk von Giacomo Rogado beschreiben, und es ist zugleich ein Erfassen des eigenen Seins im Raum.
Meryl Kureekal
2021
constant change
Solo show
Kunsthalle
Kunsthalle
21/8 – 3/9/21
Luzern
Luzern
Mit einer Gegenbewegung zur vorherrschenden Architektur definiert die begehbare Installation ein komplett neues Raumgefühl, das sich je nach Blickwinkel stets zu verändern vermag. Giacomo Santiago Rogado (*1979 in Luzern) hat für die markanten Raumverhältnisse der Kunsthalle Luzern eine panoramaartige Malerei aus aneinandergereihten Leinwänden erstellt. Dabei steht die äussere Erscheinung in einer starken Wechselbeziehung zum Innern, das erst durch das Betreten des Ausstellungsraumes vollumfänglich ersichtlich wird.
In ihrer imposanten Dimension – 3m x 16m – zeigt die Installation eine farbintensive, abstrakte Malerei, die von Giacomo Santiago Rogado mit selbstentwickelten Techniken und experimentellen Malereiverfahren gefertigt wurde. Vom hellen Zentrum aus erstrecken sich symmetrisch nach links und rechts verschiedenste Farbverläufe, die sich überlagern und unterschiedliche Ebenen mit Tiefenwirkung erzeugen. Auf beide Seitenenden hin verdunkelt sich die Farbigkeit und endet in nachtschwarzen Bildbereichen. Wie ein orchestrierter Zufall wirken die wachsenden Farbeffekte, die aufgrund der Transparenz der Leinwände zwischen Sein und Schein changieren.
Die malerischen Arbeiten von Giacomo Santiago Rogado erschliessen sich nicht per se auf den ersten Blick, vielmehr bedarf es eine visuelle und kontemplative Auseinandersetzung, damit die Werke ihre expressive Wirkung entfalten können. Betrachtenden.
In ihrer imposanten Dimension – 3m x 16m – zeigt die Installation eine farbintensive, abstrakte Malerei, die von Giacomo Santiago Rogado mit selbstentwickelten Techniken und experimentellen Malereiverfahren gefertigt wurde. Vom hellen Zentrum aus erstrecken sich symmetrisch nach links und rechts verschiedenste Farbverläufe, die sich überlagern und unterschiedliche Ebenen mit Tiefenwirkung erzeugen. Auf beide Seitenenden hin verdunkelt sich die Farbigkeit und endet in nachtschwarzen Bildbereichen. Wie ein orchestrierter Zufall wirken die wachsenden Farbeffekte, die aufgrund der Transparenz der Leinwände zwischen Sein und Schein changieren.
Die malerischen Arbeiten von Giacomo Santiago Rogado erschliessen sich nicht per se auf den ersten Blick, vielmehr bedarf es eine visuelle und kontemplative Auseinandersetzung, damit die Werke ihre expressive Wirkung entfalten können. Betrachtenden.
Generell regen seine Arbeiten den individuellen Sehprozess an und beeinflussen die räumliche Wahrnehmung der Optische Illusionen erwirkt Giacomo Santiago Rogado mit den drei kleinformatigen Malereien aus der Serie «Coalescence», die sich als minimale Setzungen im Hauptraum gegenüber der monumentalen Installation behaupten. Von der Ferne wirken die drei Arbeiten mehr oder weniger einfarbig, wobei sich die geschwungenen Linien mit ihrem Zentrum erst bei näherem Betrachten erschliessen. Ein kontrollierter, meditativer Malereiprozess mit Acryl und Öl ergibt eine dynamisch-wellige Struktur in Kreisformat, deren Farbigkeit sich beim Vorbeigehen stetig verändert.
Im Kabinett der Kunsthalle Luzern zeigt Giacomo Santiago Rogado eine Auswahl gerahmter, kleinformatiger Papierarbeiten. In einer dichten, gleichmässigen Aneinanderreihung werden verschiedene Varianten seines Umgangs mit Farben, Formen und Strukturen sichtbar. Die Papierarbeiten fungieren wie ein Mind-Map, welches die Spannbreite seines technischen Schaffens aufzeigt und die Weiterentwicklung von Forschung und Formfindung dokumentiert. Es handelt sich um eigenständige Arbeiten, worin sich seine selbst entwickelten Techniken vermischen und neuartige Malerei-Kombinationen generieren.
Michael Sutter
Im Kabinett der Kunsthalle Luzern zeigt Giacomo Santiago Rogado eine Auswahl gerahmter, kleinformatiger Papierarbeiten. In einer dichten, gleichmässigen Aneinanderreihung werden verschiedene Varianten seines Umgangs mit Farben, Formen und Strukturen sichtbar. Die Papierarbeiten fungieren wie ein Mind-Map, welches die Spannbreite seines technischen Schaffens aufzeigt und die Weiterentwicklung von Forschung und Formfindung dokumentiert. Es handelt sich um eigenständige Arbeiten, worin sich seine selbst entwickelten Techniken vermischen und neuartige Malerei-Kombinationen generieren.
Michael Sutter
2019/
Immersion/ Desire Path
Solo show
Kunstmuseum Solothurn
Kunstmuseum Solothurn
23/9/19—16/2/20
Solothurn
Solothurn
2020
The exhibition Desire Path at the Kunstmuseum Solothurn presents a comprehensive overview of the recent work of Giacomo Santiago Rogado (b. 1979, Lucerne). Known for his innovative approach to painting and his refined sense of light and space, Rogado transforms the museum into an immersive environment where each room unfolds as a distinct spatial and perceptual experience.
In the fourth room, Giacomo Santiago Rogado transforms the space into a large-scale light installation, highlighting the central role of light in his artistic practice. Here, painting expands into a realm of pure luminosity and projection. Rogado uses slices of agate stones, inserting them like slides into projectors. The colorful stones, when illuminated, cast shimmering light images across the walls — compositions that strikingly echo the visual language of his paintings.
In the fourth room, Giacomo Santiago Rogado transforms the space into a large-scale light installation, highlighting the central role of light in his artistic practice. Here, painting expands into a realm of pure luminosity and projection. Rogado uses slices of agate stones, inserting them like slides into projectors. The colorful stones, when illuminated, cast shimmering light images across the walls — compositions that strikingly echo the visual language of his paintings.
Although Rogado carefully selects each stone, its cut, and the sequence of projections, he ultimately allows nature itself to “paint.” The translucent minerals reveal organic structures and chromatic depths that recall Rogado’s meditative exploration of color, form, and perception. The resulting wall-filling panorama envelops viewers in a contemplative environment where the boundaries between natural formation and artistic creation dissolve.
This room embodies Rogado’s ongoing dialogue between control and chance, perception and illusion. The agate projections extend his painterly logic into the immaterial realm of light, turning the exhibition space into an immersive field of color, reflection, and quiet transformation.
This room embodies Rogado’s ongoing dialogue between control and chance, perception and illusion. The agate projections extend his painterly logic into the immaterial realm of light, turning the exhibition space into an immersive field of color, reflection, and quiet transformation.