2019/
Desire Path
Solo show
Kunstmuseum Solothurn
Kunstmuseum Solothurn
23/9/19—16/2/20
Solothurn
Solothurn
2020
Text
Christoph Vögele
Der Luzerner Künstler Giacomo Santiago Rogado (*1979) hat im Bereich der Malerei neue Wege gefunden. Mit seinen Gemälden, die mehrmals in musealen Einzelausstellungen – 2009 im Kunstmuseum Luzern, 2013 im Museum im Bellpark Kriens und 2014 im Helmhaus Zürich – zu sehen waren, hat er nationale Bekanntheit erlangt. Das Kunstmuseum Solothurn hat Rogados Schaffen bereits in der Überblicksschau Das doppelte Bild (2013) präsentiert, die herausragende Posi- tionen der aktuellen Malerei beleuchtete. Nun ist ihm eine Einzelausstellung unter dem Titel Desire Path gewidmet, die sich auf das aktuelle Schaffen konzentriert. Neben Bildern werden auch Arbeiten auf Papier sowie eine neue Installation gezeigt.
Giacomo Santiago Rogado hat immer wieder bewiesen, wie subtil er mit Licht und Raum umgehen kann. Dieses Interesse spiegelt sich nicht nur in seinen Gemälden, sondern auch in ihrer überlegten Platzierung. Es erstaunt darum nicht, dass der Künstler auch für seine Solothurner Ausstellung nicht eine klassische Präsentation gewählt, sondern eine auf den Raum abgestimmte Gesamtinstallation gestaltet hat. Diese wird durch das leitmotivische Setzen von Bildern derselben Serie Coalescence, die in unterschiedlichen Grössen und Farben auftreten, unterstrichen. Die variantenreiche Wiederho- lung entspricht Rogados Schaffen, in dem Muster und Rapport wichtig sind. Der Titel Desire Path unterstreicht die Verbindung von persönlicher Freiheit und Wiederholung, steht der fast poetische anmutende englische Ausdruck doch für den deutschen Begriff „Trampelpfad“.
Saal 1: Die Ausstellung setzt im Westflügel mit Bildern der Serie Intuition ein, die den Faden seiner letzten Museumsausstellung im Helmhaus Zürich aufnehmen. Die mit Farbbädern in einem Zusam- menspiel von Zufall und Komposition geschaffenen Arbeiten beeindrucken durch ihre unmittelbare Wirkung. Die Baumwolltücher saugen in einem langsamen Trocknungsprozess die Farben auf, die der Künstler in Behälter eintröpfelt. Die Tropfen blühen auf den Stoffen zu prächtig bunten Formen aus. Während der Künstler manche Werke in einem einzigen Arbeitsgang abschliesst, wie Intuition 26 (2018) und Intuition 27 (2018) an der linken Wand, setzt er bei anderen Beispielen weitere Schritte ein, indem er nach dem ersten Trocknungsprozess bestimmte Stellen mit Silikon maskiert und die Tücher erneut in ein Farbbad legt. Zuweilen schliesst sich gar eine dritte Phase an, bei der der Künstler aktiv zum Farbpinsel greift, um auf dem noch nassen Tuch weitere Veränderungen in Fluss zu bringen. Die Komplexität dieses Ablaufs kann das riesige Bild Intuition (Rascal, 2017) auf der rech- ten Wand vor Augen führen. Trotz seiner aufwändigen Herstellung wirkt es wie ein fulminanter Wurf!
Mit dem auf der linken Frontwand platzierten Werk Coalescence (Charcoal Black, 2016) klingt erstmals das erwähnte Leitmotiv der Ausstellung an. Die zirkuläre Anlage und die streng geometrische Wie- derholung der Komposition können als Metapher für Rogados ganzes Schaffen stehen, das sich mit grosser Konsequenz und innerer Logik entwickelt und dabei doch spürbar um dasselbe Zentrum kreist. Die Serie wird zugleich zum Parade-Beispiel des „Trompe-l’oeil“, bei dem sich wahrer und falscher Schein begegnen. Dabei geht es Rogado nicht um die Zurschaustellung technischer Brillanz, sondern um eine Verlangsamung der Wahrnehmung, die ein Erkennen des Augentrugs erst möglich macht.
Saal 2: Das schon lange im Durchblick sichtbare Werk Meta 2 (2014) verbindet nicht nur den ersten mit dem zweiten Saal, sondern zugleich die Prinzipien der wolkig sinnlichen Werkreihe Intuition und die geometrische Strenge der Bildfolge Meta. Die wiederkehrende Aufgabe, Extreme in einem har- monischen Ganzen zu versöhnen, wird in diesem prächtigen Gemälde in berückender Weise gelöst.
Christoph Vögele
Der Luzerner Künstler Giacomo Santiago Rogado (*1979) hat im Bereich der Malerei neue Wege gefunden. Mit seinen Gemälden, die mehrmals in musealen Einzelausstellungen – 2009 im Kunstmuseum Luzern, 2013 im Museum im Bellpark Kriens und 2014 im Helmhaus Zürich – zu sehen waren, hat er nationale Bekanntheit erlangt. Das Kunstmuseum Solothurn hat Rogados Schaffen bereits in der Überblicksschau Das doppelte Bild (2013) präsentiert, die herausragende Posi- tionen der aktuellen Malerei beleuchtete. Nun ist ihm eine Einzelausstellung unter dem Titel Desire Path gewidmet, die sich auf das aktuelle Schaffen konzentriert. Neben Bildern werden auch Arbeiten auf Papier sowie eine neue Installation gezeigt.
Giacomo Santiago Rogado hat immer wieder bewiesen, wie subtil er mit Licht und Raum umgehen kann. Dieses Interesse spiegelt sich nicht nur in seinen Gemälden, sondern auch in ihrer überlegten Platzierung. Es erstaunt darum nicht, dass der Künstler auch für seine Solothurner Ausstellung nicht eine klassische Präsentation gewählt, sondern eine auf den Raum abgestimmte Gesamtinstallation gestaltet hat. Diese wird durch das leitmotivische Setzen von Bildern derselben Serie Coalescence, die in unterschiedlichen Grössen und Farben auftreten, unterstrichen. Die variantenreiche Wiederho- lung entspricht Rogados Schaffen, in dem Muster und Rapport wichtig sind. Der Titel Desire Path unterstreicht die Verbindung von persönlicher Freiheit und Wiederholung, steht der fast poetische anmutende englische Ausdruck doch für den deutschen Begriff „Trampelpfad“.
Saal 1: Die Ausstellung setzt im Westflügel mit Bildern der Serie Intuition ein, die den Faden seiner letzten Museumsausstellung im Helmhaus Zürich aufnehmen. Die mit Farbbädern in einem Zusam- menspiel von Zufall und Komposition geschaffenen Arbeiten beeindrucken durch ihre unmittelbare Wirkung. Die Baumwolltücher saugen in einem langsamen Trocknungsprozess die Farben auf, die der Künstler in Behälter eintröpfelt. Die Tropfen blühen auf den Stoffen zu prächtig bunten Formen aus. Während der Künstler manche Werke in einem einzigen Arbeitsgang abschliesst, wie Intuition 26 (2018) und Intuition 27 (2018) an der linken Wand, setzt er bei anderen Beispielen weitere Schritte ein, indem er nach dem ersten Trocknungsprozess bestimmte Stellen mit Silikon maskiert und die Tücher erneut in ein Farbbad legt. Zuweilen schliesst sich gar eine dritte Phase an, bei der der Künstler aktiv zum Farbpinsel greift, um auf dem noch nassen Tuch weitere Veränderungen in Fluss zu bringen. Die Komplexität dieses Ablaufs kann das riesige Bild Intuition (Rascal, 2017) auf der rech- ten Wand vor Augen führen. Trotz seiner aufwändigen Herstellung wirkt es wie ein fulminanter Wurf!
Mit dem auf der linken Frontwand platzierten Werk Coalescence (Charcoal Black, 2016) klingt erstmals das erwähnte Leitmotiv der Ausstellung an. Die zirkuläre Anlage und die streng geometrische Wie- derholung der Komposition können als Metapher für Rogados ganzes Schaffen stehen, das sich mit grosser Konsequenz und innerer Logik entwickelt und dabei doch spürbar um dasselbe Zentrum kreist. Die Serie wird zugleich zum Parade-Beispiel des „Trompe-l’oeil“, bei dem sich wahrer und falscher Schein begegnen. Dabei geht es Rogado nicht um die Zurschaustellung technischer Brillanz, sondern um eine Verlangsamung der Wahrnehmung, die ein Erkennen des Augentrugs erst möglich macht.
Saal 2: Das schon lange im Durchblick sichtbare Werk Meta 2 (2014) verbindet nicht nur den ersten mit dem zweiten Saal, sondern zugleich die Prinzipien der wolkig sinnlichen Werkreihe Intuition und die geometrische Strenge der Bildfolge Meta. Die wiederkehrende Aufgabe, Extreme in einem har- monischen Ganzen zu versöhnen, wird in diesem prächtigen Gemälde in berückender Weise gelöst.
Der Ort der Farbe wird zum Thema: Während die Farben des Bildgrundes in das Tuch eingedrungen sind, liegen sie bei den geometrischen Formen deutlich darauf, ja setzen sich durch ihre glänzende Oberfläche und strahlenförmige Struktur fast objekthaft ab. Gleichwohl bildet das Bild eine Einheit. Das Licht, das sowohl den weissen Grund wie die spiegelnden Formen strahlen lässt, wird zur ver- bindenden Kraft. Die geometrische Strenge der Meta-Reihe manifestiert sich am deutlichsten beim einzigen Querformat der Ausstellung, bei Meta 4 (2014), dessen Komposition direkt auf den Baum- wollstoff gesetzt ist. Diesem „geerdeten“ und doch in einer lichten Mitte sich öffnenden Werk ant- wortet im dritten Saal das dunkeltonige Hochformat Meta 5 (2015), bei dem die lichten Streifen einen wolkigen Intuition-Grund rahmen und die weiche Fläche als Raumtiefe wirken lassen. Die Dun- kelheit, die auch in weiteren Beispielen der Meta-Reihe auftritt, bereitet den nächsten, abgedunkel- ten Saal vor.
Der vierte Saal wird für eine raumfüllende Installation genutzt. Das für Rogados Schaffen so bedeu- tende Element des Lichtes tritt in Form von Projektionen auf. Für diese schiebt der Künstler Schei- ben von Achat-Steinen wie Diapositive in Projektoren. Das Durchleuchten der bunten Steine wirft Licht-Bilder an die Wand, die manchen von Rogados Gemälden erstaunlich gleichen. Bewusst ver- bindet der Künstler die Einzelprojektionen zu einem wandfüllenden Panorama. Auch wenn er die Steine, deren Schnitte und Abfolge sorgfältig aussucht, lässt er hier gleichsam die Natur „malen“. Auch der fünfte Saal, der sich im zweiten Sammlungsflügel anschliesst, wird in seiner Ganzheit betont: Er wird zum Kabinett für eine Vielzahl von Arbeiten auf Papier, die ihn als nahtloses Band ausmessen. Ihre Entstehung gleicht der prozesshaften Erarbeitung der Bilder. Dient hier der Baum- wollstoff als saugfähiges Material, sind es nun die offenen Papiere, in welche die Farbe tief eindrin- gen kann. Hier wie dort kommt es zu einer reizvollen Verbindung von Färben und Malen. Die „Lich- ter“, mit denen in der Aquarellmalerei die weissen Freistellen des Blattes benannt werden, sind von zentraler Bedeutung, sowohl formal wie inhaltlich. Die Intimität der kleinformatigen Werke ver- stärkt die geistig meditative Wirkung, die in Rogados Schaffen oftmals spürbar wird.
Der sechste Saal nimmt hauptsächlich Werke der Reihe Tendo auf, bei denen Rogado eine fein aus- tarierte Balance zwischen dem Gegebenen eines wolkigen Intuition-Grundes und dem Gesuchten einer darauf antwortenden Komposition findet. Wie immer stellt sich Rogado damit der grundsätzli- chen Aufgabe der Kommunikation und Verbindung. Als Glanz- und Einzelstück tritt auf der zentra- len Kurzwand das Werk Shell (2018) auf, das in seiner raumgreifenden Ausdehnung eine fast monu- mentale Dynamik erreicht und damit an die Tradition freskaler Barockmalerei, ihre atemberau- bende Bildkraft und illusionistische Raumtiefe erinnert.
Der siebte Saal stellt Rogados neueste Bilder vor, zu denen drei Werke mit dem Titel Accord (2019) gehören. Der Titel erinnert an Musikalisches, an das Zusammen- und Fortklingen von Tönen und Rhythmen. Takt und Wiederholung werden bei Rogado mit der Verwendung von Schablonen er- zeugt, mit denen er das lineare Grundmuster seiner Werke komponiert. Beim grössten und jüngsten Werk erhöht er die virtuose Spielfreude, indem er erneut von einem Intuition-Grund ausgeht und mit Form- und Farbvariationen darauf reagiert. Das in fast allen Sälen nur in Einzelbildern anklin- gende Leitmotiv der Coalescence verdichtet sich in den letzten beiden Sälen zum Grundbass. Die fron- talen Schlusswände aber werden bestimmt von lichter Leere. Während das kleinformatige „Rah- men“- oder Spiegel-Bild Zest (2018) die weisse Leere als eigentlichen Inhalt betont, bleibt die dane- benliegende rechte Wand tatsächlich leer. Sie lässt blosses Licht zutage treten.
Der vierte Saal wird für eine raumfüllende Installation genutzt. Das für Rogados Schaffen so bedeu- tende Element des Lichtes tritt in Form von Projektionen auf. Für diese schiebt der Künstler Schei- ben von Achat-Steinen wie Diapositive in Projektoren. Das Durchleuchten der bunten Steine wirft Licht-Bilder an die Wand, die manchen von Rogados Gemälden erstaunlich gleichen. Bewusst ver- bindet der Künstler die Einzelprojektionen zu einem wandfüllenden Panorama. Auch wenn er die Steine, deren Schnitte und Abfolge sorgfältig aussucht, lässt er hier gleichsam die Natur „malen“. Auch der fünfte Saal, der sich im zweiten Sammlungsflügel anschliesst, wird in seiner Ganzheit betont: Er wird zum Kabinett für eine Vielzahl von Arbeiten auf Papier, die ihn als nahtloses Band ausmessen. Ihre Entstehung gleicht der prozesshaften Erarbeitung der Bilder. Dient hier der Baum- wollstoff als saugfähiges Material, sind es nun die offenen Papiere, in welche die Farbe tief eindrin- gen kann. Hier wie dort kommt es zu einer reizvollen Verbindung von Färben und Malen. Die „Lich- ter“, mit denen in der Aquarellmalerei die weissen Freistellen des Blattes benannt werden, sind von zentraler Bedeutung, sowohl formal wie inhaltlich. Die Intimität der kleinformatigen Werke ver- stärkt die geistig meditative Wirkung, die in Rogados Schaffen oftmals spürbar wird.
Der sechste Saal nimmt hauptsächlich Werke der Reihe Tendo auf, bei denen Rogado eine fein aus- tarierte Balance zwischen dem Gegebenen eines wolkigen Intuition-Grundes und dem Gesuchten einer darauf antwortenden Komposition findet. Wie immer stellt sich Rogado damit der grundsätzli- chen Aufgabe der Kommunikation und Verbindung. Als Glanz- und Einzelstück tritt auf der zentra- len Kurzwand das Werk Shell (2018) auf, das in seiner raumgreifenden Ausdehnung eine fast monu- mentale Dynamik erreicht und damit an die Tradition freskaler Barockmalerei, ihre atemberau- bende Bildkraft und illusionistische Raumtiefe erinnert.
Der siebte Saal stellt Rogados neueste Bilder vor, zu denen drei Werke mit dem Titel Accord (2019) gehören. Der Titel erinnert an Musikalisches, an das Zusammen- und Fortklingen von Tönen und Rhythmen. Takt und Wiederholung werden bei Rogado mit der Verwendung von Schablonen er- zeugt, mit denen er das lineare Grundmuster seiner Werke komponiert. Beim grössten und jüngsten Werk erhöht er die virtuose Spielfreude, indem er erneut von einem Intuition-Grund ausgeht und mit Form- und Farbvariationen darauf reagiert. Das in fast allen Sälen nur in Einzelbildern anklin- gende Leitmotiv der Coalescence verdichtet sich in den letzten beiden Sälen zum Grundbass. Die fron- talen Schlusswände aber werden bestimmt von lichter Leere. Während das kleinformatige „Rah- men“- oder Spiegel-Bild Zest (2018) die weisse Leere als eigentlichen Inhalt betont, bleibt die dane- benliegende rechte Wand tatsächlich leer. Sie lässt blosses Licht zutage treten.
2019
Desire Path
Book
Verlag für Moderne Kunst
Verlag für Moderne Kunst
Kunstmuseum
Solothurn
Solothurn
Giacomo Santiago Rogado
Desire Path
Texts by Christoph Vögele, Miguel F. Campón
Concept and graphic design by Studio Amanda Haas
Published by Verlag für Moderne Kunst
Desire Path
Texts by Christoph Vögele, Miguel F. Campón
Concept and graphic design by Studio Amanda Haas
Published by Verlag für Moderne Kunst
2019
Depth of field
Solo show
Bernhard Knaus Fine Art
Bernhard Knaus Fine Art
1/2/19 — 30/3/19
Frankfurt
Frankfurt
Text
Darja Zub
Die Begegnung mit den Arbeiten des Malers Giacomo Santiago Rogado (*1979) gleichen einer verführerischen Faszination – in einer farbenprächtigen Ballade von hypnotischer Wirkung ziehen sie den Betrachter unmittelbar in ihren Bann. Rogados abstrakte Gemälde sind durch die Meditation inspiriert. Die thematische Auseinandersetzung des Malers mit Kontemplation und Entschleunigung zieht sich durch sein Gesamtwerk, für welches er hauptsächlich Materialien wie Öl-, Pigment- und Acrylfarbe auf Leinwand verwendet.
Bernhard Knaus Fine Art stellt in der Ausstellung “Depth of Field” die zwei Gemälde-Serien Coalescence (2014-2018) und Intuition (2016-2018) aus. Der optische Effekt rhythmisierter Bewegung von Farbe und Form und ihr Einfluss auf die Wahrnehmung von Tiefenschärfe stehen im Zentrum seiner Malerei. Hierzu verwendet Rogado zwei Techniken, die zwischen malerischer Akkuratesse und Zufall pendeln – von hypnotischen Effekt und meditativer Dimension.
Die Arbeiten der Coalescence Serie bestehen aus zwei additiven Farben. Durch regelmäßige zur Bildmitte gezogene schwungvolle Linien wird ein dreidimensionaler Effekt erzeugt, der Assoziationen zu Spiralen weckt. Das konzentrierte Erarbeiten zur Erzielung der wiederholenden akkuraten Linienführung versetzt den Künstler selbst in einen meditativen Zustand. Durch das Fliehen der Linien zur Bildmitte – vergleichbar mit der Zentripetalkraft – entsteht der optische Effekt einer rhythmisierten Oberfläche mit Sogwirkung.
Darja Zub
Die Begegnung mit den Arbeiten des Malers Giacomo Santiago Rogado (*1979) gleichen einer verführerischen Faszination – in einer farbenprächtigen Ballade von hypnotischer Wirkung ziehen sie den Betrachter unmittelbar in ihren Bann. Rogados abstrakte Gemälde sind durch die Meditation inspiriert. Die thematische Auseinandersetzung des Malers mit Kontemplation und Entschleunigung zieht sich durch sein Gesamtwerk, für welches er hauptsächlich Materialien wie Öl-, Pigment- und Acrylfarbe auf Leinwand verwendet.
Bernhard Knaus Fine Art stellt in der Ausstellung “Depth of Field” die zwei Gemälde-Serien Coalescence (2014-2018) und Intuition (2016-2018) aus. Der optische Effekt rhythmisierter Bewegung von Farbe und Form und ihr Einfluss auf die Wahrnehmung von Tiefenschärfe stehen im Zentrum seiner Malerei. Hierzu verwendet Rogado zwei Techniken, die zwischen malerischer Akkuratesse und Zufall pendeln – von hypnotischen Effekt und meditativer Dimension.
Die Arbeiten der Coalescence Serie bestehen aus zwei additiven Farben. Durch regelmäßige zur Bildmitte gezogene schwungvolle Linien wird ein dreidimensionaler Effekt erzeugt, der Assoziationen zu Spiralen weckt. Das konzentrierte Erarbeiten zur Erzielung der wiederholenden akkuraten Linienführung versetzt den Künstler selbst in einen meditativen Zustand. Durch das Fliehen der Linien zur Bildmitte – vergleichbar mit der Zentripetalkraft – entsteht der optische Effekt einer rhythmisierten Oberfläche mit Sogwirkung.
Anders als bei Coalescence, die der Maler mit hoher Konzentration perfektioniert ausführt, gibt sich Rogado bei der Gemäldeserie Intuition dem kontrollierten Zufall hin. So werden die großflächigen, von farblicher Tinktur dominierten Arbeiten zunächst als unbehandelte Leinwände in eine mit Wasser gefüllte Wanne gelegt, anschließend mit gezielt aufgetragenen Farbpigmenten behandelt. Zwar geht jedem Werk eine durchdachte Farbstimmung voraus, die formale Gestaltung wird jedoch intuitiv geformt. Die anschließende Wasserverdunstung liefert den charakteristischen Effekt. Nahezu hypnotisiert folgt man dem Bedürfnis die unterschiedlich kontrastierten und teilweise verschwommenen Farbbereiche auf der Leinwand mit den Augen zu fokussieren. Die Gemälde wecken Assoziationen an Einzeller, Schwämme oder den Kosmos. Der Prozess des Arbeitens steht für den Maler im Vordergrund. Durch das Zusammenspiel von Farben, Formen und Bewegung werden die Betrachter von einem hypnotischen Sog erfasst, dem sie sich kaum entziehen können.
Vor diesem Hintergrund erscheint der Titel der Ausstellung “Depth of Field” als Wortspiel, welches für die Kontemplation sensibilisieren soll. Rogado selbst bezeichnet seine Werke als "Zimmer", in denen er sich bewegt und ihnen damit eine Räumlichkeit anerkennt. Gleichzeitig beschreibt er die Malerei als “einen an der Oberfläche der Leinwand materialisierten Denkprozess”. So fällt es dem Besucher der Ausstellung leicht sich in diesen Räumen zu bewegen, sich auf eine Reise ins Innere zu begeben und seinen Blick auf das Selbst und die eigene Umwelt zu schärfen - ganz der Meditation entsprechend.
Vor diesem Hintergrund erscheint der Titel der Ausstellung “Depth of Field” als Wortspiel, welches für die Kontemplation sensibilisieren soll. Rogado selbst bezeichnet seine Werke als "Zimmer", in denen er sich bewegt und ihnen damit eine Räumlichkeit anerkennt. Gleichzeitig beschreibt er die Malerei als “einen an der Oberfläche der Leinwand materialisierten Denkprozess”. So fällt es dem Besucher der Ausstellung leicht sich in diesen Räumen zu bewegen, sich auf eine Reise ins Innere zu begeben und seinen Blick auf das Selbst und die eigene Umwelt zu schärfen - ganz der Meditation entsprechend.